Apocalipsis" y llamado por la prensa "el hombre más siniestro del mundo". Crowley, individuo con un gran ego, enfureció y fascinó a otros con sus ritos de magia sexual y sus sacrificios sangrientos. A pesar de sus excesos, es considerado por algunos como uno de los más brillantes magos de los tiempos modernos.
Nació el 12 de octubre de 1875, en Leamington Spa, Warwickshire y recibió el nombre de Edward Alexander Crowley. Sus padres, miembros de una secta fundamentalista llamada Plymouth Brethren, lo educaron en un ambiente de represión y prejuicios religiosos. Era tan rebelde que su madre lo bautizó con el nombre de "La Bestia" en recuerdo del Anticristo.
Crowley se sintió atraído por lo oculto cuando era muy joven y tenía fascinación por la sangre, la tortura y la degradación sexual. Estudió en el Trinity College de Cambridge, pero nunca obtuvo ningún título, dedicando su tiempo a escribir poesía y a estudiar ocultismo.
El 18 de noviembre de 1898 se unió a la rama de Londres de la Orden Hermética de la Aurora Dorada (Hermetic Order of the Golden Dawn, HOGD) y fue bautizado como "Hermano Perdurabo" (otro de los varios nombres mágicos que usó fue el de "Maestro Therion"). Avanzó rápidamente, hasta alcanzar el grado más alto de la Orden. A través del yoga, Crowley alegaba recordar vidas pasadas, como la del Papa Alejandro VI (conocido por su atracción hacia los placeres de la carne); la de Edward Kelly, el notorio auxiliar de magia de john Dee, astrólogo de la Reina Isabel I; la de Cagliostro y la de Eliphas Levi, que murió el día en que Crowley nació. Crowley también creía haber sido Ankh‑Khonsu, un sacerdote egipcio de la Dinastía XXVI.
Después de abandonar el Trinity College, Crowley se nombró a sí mismo el Conde Vladimir y se dedicó tiempo completo a sus actividades ocultas en Londres. Circularon relatos acerca de incidentes fantásticos, quizás debidos en parte a la cualidad hipnótica de la mirada de Crowley y a su aura de poder sobrenatural. Algunos individuos dijeron haber visto una luz espectral que lo rodeaba, que según él era su espíritu astral. Su apartamento se decía que estaba invadido por una presencia diabólica y se comentaba que quienes lo molestaban sufrían accidentes.
Samuel Liddell MacGregor Mathers, uno de los fundadores de la HOGD, le enseñó a Crowley la "Magia Sagrada de Abra‑Merlin el Mago", extraída de un antiguo manuscrito que Mathers aseguraba haber traducido. El manuscrito supuestamente estaba poseído por una inteligencia no física, que le proporcionaba a Crowley la fuente de su poder mágico. Mathers y Crowley riñeron entre sí y se atacaron psíquicamente con vampiros y demonios astrales. Después de la
expulsión de Crowley de la HOGD, Crowley viajó y se adentró en el estudio del misticismo oriental. Vivió por un tiempo en Boleskin Manor, en la costa i' sur de Loch Ness, en Escocia.
Portador de un intenso apetito sexual, su vitalidad animal y su actitud abierta mantenían un incesante flujo de mujeres que se ofrecían gustosas a sus deseos. En 1903 se casó con Rose Kelly, la primera de sus dos esposas, con quien tuvo un hijo. Crowley tenía un grupo estable de amantes, a quienes llamaba "las Mujeres Escarlata". La más famosa de ellas fue Leah Hirsig, a la que dio el nombre de "the Ape of Thot"; tuvo varios hijos ilegítimos. Le gustaba dar a sus mujeres "besos de serpiente", usando sus afilados dientes para derramar sangre. Trató, sin conseguirlo, de tener un hijo por medio de la magia; estos esfuerzos son descritos en su novela de ficción titulada Moonchild (1929).
El 18 de marzo de 1904, Kelly recibió comunicaciones desde el plano astral que le indicaban hacer contacto con el dios egipcio Horus. Crowley llevó a cabo un ritual para hacer contacto con el espíritu mensajero de Horus, Aiwass, quien supuestamente era su "Ser Verdadero ". Durante tres días, Kelly tomó nota de lo que Aiwass decía mientras se encontraba en trance. El resultado fue el Liber Legis, más conocido como The Book of the Law, uno de los más importantes trabajos de Crowley. Su esencia es la Ley de Telema: "Hacer lo que quieras es todo lo que la ley indica", lo que significaba según Crowley, que hay que hacer lo que sea necesario y nada más.
Aiwass también dijo que Crowley había sido seleccionado por los "jefes Secretos", los maestros adeptos, para ser el profeta en el nuevo y venidero Eón de Horus, la tercera gran era de la humanidad.
En 1909, Crowley comenzó una relación homosexual con el poeta Victor Neuber, que se convirtió en su asistente en la magia. Para el año 1912, Crowley ya estaba relacionado con la orden oculta Ordo Templi Orientis y se convirtió en lider de dicha orden en 1922.
Crowley vivió en los Estados Unidos de 1915 a 1919. Cuando conducía a través de Italia en 1920, tuvo una visión de una villa en una colina. Encontró el lugar en Sicilia, se apoderó de ella y la llamó la Sacred Abbey of the Thelemic Mysteries. Envisionada como una colonia mágica, la villa sirvió de sitio para numerosas orgías sexuales y ritos mágicos, en muchos de los cuales participaban sus hijos ilegítimos. La conducta de Crowley hizo que Benito Mussolini lo expulsara de Italia en mayo de 1923.
En 1929, Crowley contrajo matrimonio con María Ferrari de Miramar ‑su segunda esposa‑ en Leipzig, Alemania.
Los últimos años de Crowley se vieron plagados de enfermedades, adicción a las drogas y problemas financieros. Se ganaba la vida pobremente, publicando sus escritos. La mayor parte de los mismos, que no eran de ficción, resultaban ser incoherentes y confusos, pero continuaron teniendo aficionados. Además de The Book of the Law, su otra obra más notable, Magick in Theory and Practice (1929) es considerada por muchos ocultistas como una obra magnífica sobre la magia ceremonial. Crowley deletreaba en inglés la palabra magic (magia) como magick, para distinguir entre la verdadera magia y la magia puesta en escena en el teatro.
En 1934, desesperado por obtener dinero, Crowley demandó legalmente a la escultora Nina Hammett por difamación, por representarlo como un practicante de la magia negra y de sacrificios humanos en la biografía que había escrito sobre él, Laughing Torso (1932). Tan repulsivo fue el testimonio del juicio para el juez y el jurado, que el juicio se suspendió y el jurado decidió a favor de la Hanunett.
En 1945, Crowley se mudó a una casa de huéspedes en Hastings, donde vivió sus dos últimos años de una vida disipada y aburrida. Durante estos años finales, conoció a Gerald B. Gardner, llamado el padre de la brujería moderna, y compartió materiales sobre ritual con él. Crowley murió el primero de diciembre de 1947. Fue cremado en Brighton y sus cenizas se enviaron a sus discípulos de los Estados Unidos.
Otros libros publicados por Crowley son: The Diary of a Drug Fiend (1922); The Strategem, una colección de cuentos de ficción; The Equinox of the Gods (1937), que precede a The Book of the Law, como la nueva religión de la humanidad; y The Book of Thoth (1944), su interpretación del tarot. Su autobiografía fue publicada en dos volúmenes.
jueves, diciembre 14, 2006
martes, diciembre 12, 2006
La Papisa
Existe una vieja leyenda medieval que de una u otra forma se recuerda hasta hoy día.
Contaban en Polonia, por ahí por el siglo X, que en un momento sumamente difícil, venían saliendo de una invasión y la peste diezmaba las poblaciones, era tal la pobreza del país que sólo los curas mendicantes y los ni ños podían, a veces, obtener alguna limosna. En estas condiciones la supervivencia de una mujer pobre, de más de veinte años y de inclinaciones muy religiosas, era altamente improbable. Tal era el caso de Juana, que por ningún motivo quería trabajar como prostituta.
De modo que optó por vestirse con las ropas de un sacerdote muerto por la peste y dedicarse a mendigar así, con más posibilidades de éxito. Pero Juana era una mujer inteligente, y pronto se dio cuenta que obtenían mucho mejor resultado los sacerdotes que predicaban con éxito en las plazas y las iglesias de los pueblos.
Demás está decir que pronto Juana se transformó en un orador sacro de gran resonancia, hasta el punto que acudían pequeñas peregrinaciones de gentes de pueblos vecinos para escucharla. Los problemas de Juana ya no eran los de la mera supervivencia.
Creció la fama de Juana que no sólo tuvo iglesia pro pia, sino que al tiempo fue nombrada obispo... y, en la imaginación popular, de obispo a cardenal no hay más que un, paso... y de cardenal a Papa, sólo un poco de suerte.
De modo que ya tenemos a Juana entronizada en Roma. en la salida de los Papas. Este hecho, cuya realidad histórica es absolutamente improbable, se convirtió en una leyenda que con algunas variaciones de nacionalidad y época, fue profusamente relatada durante la Baja Edad Media... y, de una u otra manera, se conserva hasta el día de hoy.
Por supuesto que la leyenda medieval no terminaba con Juana sentada en el trono de los Papas; contaban que durante un tiempo la mujer Papa lo hizo bastante bien y más allá de toda sospecha. Pero, sigue la leyenda, finalmente pasó lo que tenía que pasar: la Papisa, rodeada de hermosos pajes adolescentes, dedicados a su servicio, cayó perdidamente enamorada de uno de ellos. Estos amores tuvieron por resultado el que generalmente tienen, Juana, la Papisa, quedó embarazada.
Al principio pudo ocultar su estado, pero con el correr de los meses se hizo tan evidente, que comenzó a eludir sus apariciones públicas. Es posible que hubiese conseguido mantener el engaño de no mediar una circunstancia desafortunada. Hacía un mes que Juana no aparecía en público, ni siquiera en las ceremonias oficiales, y el pueblo romano comenzaba ya a murmurar, además se aproximaba la fiesta del Corpus Christi y Juana a su vez sentía muy próximo el momento del parto.
De acuerdo a la leyenda, pasó lo peor que podía pasar. Muy próxima al parto, Juana se vio obligada a asistir a la larga procesión con que celebrarían el Corpus, ocultando su enorme vientre bajo los paramentos papales.
Seis cardenales cargaban el anda, encima Juana, sentada, atravesaba como un navío blanco la muchedumbre que la perseguía tratando de obtener una bendición papal más personal.
Según la leyenda Juana alumbró ahí mismo, en plena procesión, rodeada por el pueblo que gobernaba.
Y éste es el verdadero final de cuento medieval, porque respecto del destino posterior de Juana hay versiones extremadamente contradictorias, según unos fue linchada acto seguido por la muchedumbre, para otros terminó sus días en un convento, aquí cuentan que volvió a la pobreza y tuvo que mendigar con su hijo, allá dicen en cambio que ella y su hijo murieron años más tarde en un castillo papal, donde permanecieron encerrados. Pero este destino final de Juana es lo menos interesante de la leyenda, el nivel arquetípico que ha permanecido vigente hasta nuestros días culmina en. el parto durante la procesión del Corpus.
Algunos comentaristas, muy pocos, pretenden que la, leyenda de la papisa Juana ocurrió en la realidad, para afirmarlo, se basan, por ejemplo, en el hecho de que en los cónclaves para la elección de los papas, desde el medioevo, se haya utilizado la "silla gestatoria", una silla sin asiento, mediante la cual, los cardenales encargados podían cerciorarse del sexo del futuro Papa.
En la verdad histórica, parece que nunca hubo una mujer Papa... pero el temor existía. Es probable que ese temor haya dado origen a la leyenda.
El cuento de la Papisa Juana provocó poderosamente la imaginería medieval, transformándose en un equivalente a lo que es un personaje de tira cómica para nuestra sociedad.
El arquetipo de la mujer disfrazada de hombre se repitió en innumerables obras literarias, antes y después de la leyenda referida. Sólo para mencionar los relatos posteriores recordemos que Shakespeare, Calderón de la Barca, Lope de Vega y muchos otros autores trataron el tema de la mujer vestida de hombre, capaz de engañar hasta a los más sagaces.
En una época más moderna, la idea fue repetida incluso en la literatura juvenil, como lo hace Emilio Salgari en su famoso "Capitán Tormenta", héroe de la batalla de Lepanto que resulta también ser mujer. Asimismo, el cine, la televisión y el teatro contemporáneo han utilizado en innumerables oportunidades este arquetipo, pero es probable que ninguno de ellos tenga más fuerza que la leyenda de la mujer Papa.
La papisa llegó a ser un tema tan trascendente para la mentalidad medieval que en los alrededores del siglo XI fue incluida en el diseño del primer naipe que se dibujó en el mundo, el famosísimo Tarot. El naipe Tarot llamado de Marsella, que es el único diseñado auténticamente en el medioevo, incluye entre sus arcanos mayores el N° 2: la Papisa.
Evidentemente, en un diseño del siglo XI, cualquier mención a la Papisa, sólo podía aludir a la Papisa Juana. De modo que tal vez revisando la simbología de este arcano, será más fácil interpretar el arquetipo que ha subsistido hasta nuestros días bajo el titulo de la leyenda: "la papisa Juana".
En su numeración, el Tarot es de origen pitagórico. Recordemos que dicha escuela interpretaba los números no sólo como objetos matemáticos, también los veían como entidades teológicas.
Así, en la interpretación tradicional de las cartas del Tarot, bajo el primer arcano, El Prestidigitador, el "mago" de la feria medieval, ese que saca cosas de la nada, se oculta el sentido teológico del número uno. Uno es el principio de todo, es el que saca de la nada todos los otros números que no son más que repeticiones sucesivas de este primer número, el uno, que por lo tanto, está contenido en todos los otros.
A la imagen de la Papisa Juana le correspondió ilustrar el sentido pitagórico del número dos.
Kabir, el gran poeta místico, decía: "Ve sólo Uno en todas las cosas, es el dos el que te descarría". Dos es dos veces uno, dos es uno jugando a las escondidas consigo mismo, uno detrás de otro.
Dos esconde al uno, dos separa al uno, crea lo que es distinto de uno; y esta distinción es confusa: Se supone que el Tarot es una descripción del camino místico de la vida, y en este camino, el número dos corresponde a esa etapa confusa de la percepción, en la cual el sentido de la unidad de todo lo creado se esconde tras la apariencia de las formas distintas.
Por eso, para la escuela pitagórica, el dos es femenino... ¿acaso la mujer no se divide en dos al parir?
Toda esta disquisición filosófica se escondía para los medievales y se esconde hasta hoy detrás de la leyenda de la Papisa Juana, queriendo definir un estado del alma humana, ese estado ignorante de la unidad en que el alma se siente sola y separada, rodeada de un mundo hostil. En ese estado, el alma oculta un profundo temor a lo que es distinto de sí misma. Es "la noche oscura del alma", cuando olvida que el uno subyace bajo el dos... y que éste tampoco es un estado permanente, porque después del dos viene el tres.
Gran parte de la cultura contemporánea desdeña este lenguaje de los símbolos, pero desde Carl Gustav Jung, cada vez se da más importancia a estas "imágenes de contenido trascendente a la conciencia de la humanidad".
Contaban en Polonia, por ahí por el siglo X, que en un momento sumamente difícil, venían saliendo de una invasión y la peste diezmaba las poblaciones, era tal la pobreza del país que sólo los curas mendicantes y los ni ños podían, a veces, obtener alguna limosna. En estas condiciones la supervivencia de una mujer pobre, de más de veinte años y de inclinaciones muy religiosas, era altamente improbable. Tal era el caso de Juana, que por ningún motivo quería trabajar como prostituta.
De modo que optó por vestirse con las ropas de un sacerdote muerto por la peste y dedicarse a mendigar así, con más posibilidades de éxito. Pero Juana era una mujer inteligente, y pronto se dio cuenta que obtenían mucho mejor resultado los sacerdotes que predicaban con éxito en las plazas y las iglesias de los pueblos.
Demás está decir que pronto Juana se transformó en un orador sacro de gran resonancia, hasta el punto que acudían pequeñas peregrinaciones de gentes de pueblos vecinos para escucharla. Los problemas de Juana ya no eran los de la mera supervivencia.
Creció la fama de Juana que no sólo tuvo iglesia pro pia, sino que al tiempo fue nombrada obispo... y, en la imaginación popular, de obispo a cardenal no hay más que un, paso... y de cardenal a Papa, sólo un poco de suerte.
De modo que ya tenemos a Juana entronizada en Roma. en la salida de los Papas. Este hecho, cuya realidad histórica es absolutamente improbable, se convirtió en una leyenda que con algunas variaciones de nacionalidad y época, fue profusamente relatada durante la Baja Edad Media... y, de una u otra manera, se conserva hasta el día de hoy.
Por supuesto que la leyenda medieval no terminaba con Juana sentada en el trono de los Papas; contaban que durante un tiempo la mujer Papa lo hizo bastante bien y más allá de toda sospecha. Pero, sigue la leyenda, finalmente pasó lo que tenía que pasar: la Papisa, rodeada de hermosos pajes adolescentes, dedicados a su servicio, cayó perdidamente enamorada de uno de ellos. Estos amores tuvieron por resultado el que generalmente tienen, Juana, la Papisa, quedó embarazada.
Al principio pudo ocultar su estado, pero con el correr de los meses se hizo tan evidente, que comenzó a eludir sus apariciones públicas. Es posible que hubiese conseguido mantener el engaño de no mediar una circunstancia desafortunada. Hacía un mes que Juana no aparecía en público, ni siquiera en las ceremonias oficiales, y el pueblo romano comenzaba ya a murmurar, además se aproximaba la fiesta del Corpus Christi y Juana a su vez sentía muy próximo el momento del parto.
De acuerdo a la leyenda, pasó lo peor que podía pasar. Muy próxima al parto, Juana se vio obligada a asistir a la larga procesión con que celebrarían el Corpus, ocultando su enorme vientre bajo los paramentos papales.
Seis cardenales cargaban el anda, encima Juana, sentada, atravesaba como un navío blanco la muchedumbre que la perseguía tratando de obtener una bendición papal más personal.
Según la leyenda Juana alumbró ahí mismo, en plena procesión, rodeada por el pueblo que gobernaba.
Y éste es el verdadero final de cuento medieval, porque respecto del destino posterior de Juana hay versiones extremadamente contradictorias, según unos fue linchada acto seguido por la muchedumbre, para otros terminó sus días en un convento, aquí cuentan que volvió a la pobreza y tuvo que mendigar con su hijo, allá dicen en cambio que ella y su hijo murieron años más tarde en un castillo papal, donde permanecieron encerrados. Pero este destino final de Juana es lo menos interesante de la leyenda, el nivel arquetípico que ha permanecido vigente hasta nuestros días culmina en. el parto durante la procesión del Corpus.
Algunos comentaristas, muy pocos, pretenden que la, leyenda de la papisa Juana ocurrió en la realidad, para afirmarlo, se basan, por ejemplo, en el hecho de que en los cónclaves para la elección de los papas, desde el medioevo, se haya utilizado la "silla gestatoria", una silla sin asiento, mediante la cual, los cardenales encargados podían cerciorarse del sexo del futuro Papa.
En la verdad histórica, parece que nunca hubo una mujer Papa... pero el temor existía. Es probable que ese temor haya dado origen a la leyenda.
El cuento de la Papisa Juana provocó poderosamente la imaginería medieval, transformándose en un equivalente a lo que es un personaje de tira cómica para nuestra sociedad.
El arquetipo de la mujer disfrazada de hombre se repitió en innumerables obras literarias, antes y después de la leyenda referida. Sólo para mencionar los relatos posteriores recordemos que Shakespeare, Calderón de la Barca, Lope de Vega y muchos otros autores trataron el tema de la mujer vestida de hombre, capaz de engañar hasta a los más sagaces.
En una época más moderna, la idea fue repetida incluso en la literatura juvenil, como lo hace Emilio Salgari en su famoso "Capitán Tormenta", héroe de la batalla de Lepanto que resulta también ser mujer. Asimismo, el cine, la televisión y el teatro contemporáneo han utilizado en innumerables oportunidades este arquetipo, pero es probable que ninguno de ellos tenga más fuerza que la leyenda de la mujer Papa.
La papisa llegó a ser un tema tan trascendente para la mentalidad medieval que en los alrededores del siglo XI fue incluida en el diseño del primer naipe que se dibujó en el mundo, el famosísimo Tarot. El naipe Tarot llamado de Marsella, que es el único diseñado auténticamente en el medioevo, incluye entre sus arcanos mayores el N° 2: la Papisa.
Evidentemente, en un diseño del siglo XI, cualquier mención a la Papisa, sólo podía aludir a la Papisa Juana. De modo que tal vez revisando la simbología de este arcano, será más fácil interpretar el arquetipo que ha subsistido hasta nuestros días bajo el titulo de la leyenda: "la papisa Juana".
En su numeración, el Tarot es de origen pitagórico. Recordemos que dicha escuela interpretaba los números no sólo como objetos matemáticos, también los veían como entidades teológicas.
Así, en la interpretación tradicional de las cartas del Tarot, bajo el primer arcano, El Prestidigitador, el "mago" de la feria medieval, ese que saca cosas de la nada, se oculta el sentido teológico del número uno. Uno es el principio de todo, es el que saca de la nada todos los otros números que no son más que repeticiones sucesivas de este primer número, el uno, que por lo tanto, está contenido en todos los otros.
A la imagen de la Papisa Juana le correspondió ilustrar el sentido pitagórico del número dos.
Kabir, el gran poeta místico, decía: "Ve sólo Uno en todas las cosas, es el dos el que te descarría". Dos es dos veces uno, dos es uno jugando a las escondidas consigo mismo, uno detrás de otro.
Dos esconde al uno, dos separa al uno, crea lo que es distinto de uno; y esta distinción es confusa: Se supone que el Tarot es una descripción del camino místico de la vida, y en este camino, el número dos corresponde a esa etapa confusa de la percepción, en la cual el sentido de la unidad de todo lo creado se esconde tras la apariencia de las formas distintas.
Por eso, para la escuela pitagórica, el dos es femenino... ¿acaso la mujer no se divide en dos al parir?
Toda esta disquisición filosófica se escondía para los medievales y se esconde hasta hoy detrás de la leyenda de la Papisa Juana, queriendo definir un estado del alma humana, ese estado ignorante de la unidad en que el alma se siente sola y separada, rodeada de un mundo hostil. En ese estado, el alma oculta un profundo temor a lo que es distinto de sí misma. Es "la noche oscura del alma", cuando olvida que el uno subyace bajo el dos... y que éste tampoco es un estado permanente, porque después del dos viene el tres.
Gran parte de la cultura contemporánea desdeña este lenguaje de los símbolos, pero desde Carl Gustav Jung, cada vez se da más importancia a estas "imágenes de contenido trascendente a la conciencia de la humanidad".
lunes, diciembre 11, 2006
domingo, diciembre 10, 2006
Los Tokugawa
Tras la toma del poder por Tokugawa Ieyasu (1542-1616), aunque sus bases habían sido puestas por los períodos de gobierno de Oda Nobunaga y Toyotomi Hideyoshi. Sus características esenciales van a ser: la reunificación del país y la afirmación del papel del shogún; el establecimiento de una estructura social que diferenciase rígidamente los diversos sectores de la población; y la política de aislamiento del exterior. Tokugawa Ieyasu, que había iniciado su carrera como samurai a las órdenes de Nobunaga, sometió las revueltas de daimyos, surgidas a la muerte de Hideyoshi para intentar restablecer el orden feudal, y contuvo el descontento de parte del ejército por el fracaso de la expedición de Corea, reforzando su posición de aspirante a detentar el poder absoluto.
La familia Tokugawa había ido acrecentando sus propiedades desde un pequeño feudo y a fines del siglo XVI Ieyasu era uno de los grandes daimios. Por ello, le resulta relativamente fácil imponerse a los demás candidatos y conseguir su vasallaje. Los que se resistieron fueron vencidos en 1600 en la batalla de Sekigahara.
Esta victoria le permitió la reorganización del territorio, confiscando tierras de los derrotados, que acrecentaron las propias y le dieron posibilidad de premiar a los leales. Para terminar de dar legitimidad a su poder, en 1603 restauró el título de shogún, que heredarán sus descendientes. Los inmediatos sucesores de Tokugawa Ieyasu, su hijo Hidetada (1605-1623) e Iemitsu (1623-1651), continuaron la obra de fortalecimiento del poder central. El descuido de los asuntos de Estado por los siguientes shogún, Ietsuna (1651-1680) y Tsunayoshi (1680-1709), provocaron que a finales de siglo comenzase un nuevo período de turbulencias, debido al malestar causado por el deterioro económico y la política extravagante y caprichosa del último shogún citado. El nuevo sistema político impuesto por los Tokugawa se basaba en el equilibrio de poder entre el shogunato y los daimios (el baku-ban), uno en el centro y los otros en sus provincias. Sin embargo, la balanza siempre estará a favor del shogún, por sus propiedades mucho mayores. El particular sistema de propiedad de los daimios también debilitaba su posición, pues no ocupaban sus propiedades hereditariamente, sino por voluntad del shogún, que decidía en cada caso. En realidad, sólo algunos se mantuvieron durante generaciones en el mismo territorio, accediendo la mayoría a las propiedades mediante un juramento de fidelidad y traspasándose otros lugares, según la ocasión lo requería.
Más que señores feudales, los daimios eran funcionarios de carrera, sujetos a los cambios de destino, según las necesidades o las gratificaciones a su lealtad. En 1615 salió a la luz un código que regulaba la conducta de los daimios, tanto privada (matrimonios), como pública (número de fortalezas y hombres armados), haciendo muy difícil la sublevación contra el poder superior. Para evitarlo de forma más efectiva,
okugawa Ieyasu, siguiendo una costumbre de Hideyoshi, obligó a los daimyos a residir en la capital, Edo (Tokyo), seis meses al año si vivían cerca, y un año cada dos si habitaban en la periferia, manteniendo permanentemente allí a una parte de su familia como rehén.
Este sistema debilitó económicamente a los daimios, al obligarlos a mantener dos residencias y causarles elevados gastos en viajes. Por otro lado, muchos de estos señores estaban integrados en el gobierno del shogún, de manera que se vieran involucrados en el sistema establecido. Si de esta forma se alejó el peligro que pudiese venir por abajo, también se adoptaron medidas para evitar el de arriba. El nuevo régimen mantendrá en su más alta jefatura al mikado, emperador sólo nominal. Todo el prestigio para él y su familia, pero encerrados en su palacio, vigilados por un gobernador militar en Kyoto, teóricamente intermediario entre el emperador, la Corte y el shogún.
El código de 1615 delimitaba claramente las posibilidades de la familia real y sus relaciones con la nobleza, los daimyos y la Iglesia budista. En Edo, la capital, se estableció la Administración central, encabezada por dos Consejos. El Consejo de los Ancianos, compuesto por cuatro o seis miembros, tenía autoridad sobre política exterior, fiscalidad, moneda y distribución de tierras. Al Consejo de los Jóvenes pertenecían daimios de categoría inferior.
Existían también una serie de cargos administrativos, sometidos al control del Consejo de los Ancianos: el gran chambelán, para la relación entre el shogún y los consejeros; los encargados del protocolo; los magistrados de finanzas; los inspectores generales, para el control sobre los daimios; los defensores del castillo de Edo, y los superintendentes, especializados en temas específicos, como las relaciones con la Iglesia. Entre las primeras medidas tras la unificación se encuentran aquellas que establecen una estructura social jerárquica.
Durante la época de las guerras intestinas la movilidad social había sido considerable, siendo la situación propicia para que campesinos o aventureros de espíritu emprendedor se convirtieran en guerreros y, con fortuna, en daimios. De la misma manera, algunos señores derrotados habían caído en la condición de campesinos. Para lograr la estabilidad, Tokugawa Ieyasu consideró esencial separar del resto de la sociedad a los guerreros, únicos que tenían el privilegio de portar armas. Tras ellos seguían, de forma jerarquizada, los campesinos, los artesanos y los comerciantes.
En la base del escalafón se encontraba la comunidad discriminada, casta ínfima segregada del resto de la población, que tenía graves limitaciones en las ocupaciones que podían tener y cuyo estatus se heredaba o se adquiría por expulsión de la comunidad campesina. La religión también será utilizada por los Tokugawa para acrecentar su poder, por medio de las creencias de sus súbditos. Las instituciones budistas consiguieron protección a cambio del apoyo al shogún, tan valioso para éste como por ser razón poderosa para alejar a cualquier rival, como la religión católica. Resultado de esta alianza fue la divinización del espíritu de Ieyasu y el establecimiento de una peregrinación para su culto, centralizado en Nikko.
sábado, diciembre 09, 2006
Un poema
Mientras escucho al blusero JJ Cale escribí esto, no estoy demasiado feliz.. como sea, ¿a quien le importa? jajjajaja
El sol adormecido en las brumas se aleja
Y como un astro muerto yace mi pasión;
La noche a lo largo del muelle se refleja;
Mi viejo corazón es un Rey sin razón.
Cada ser de una rueda es el eje que gira,
Cae, ofrenda y afrenta, en el yunque el dolor;
Los rostros grises son una espuma que tira
La marea del asfalto y la luz sin color.
¿Dónde estamos amor? ¿Sí es verdad que estamos?
La luna se esconde cuando nos acercamos
Al borde de los techos huecos de metal.
Y el ojo blanco por las calles todavía
Envidia el resplandor fijamente glacial
Del astro que murió antes de abrir el día.
El sol adormecido en las brumas se aleja
Y como un astro muerto yace mi pasión;
La noche a lo largo del muelle se refleja;
Mi viejo corazón es un Rey sin razón.
Cada ser de una rueda es el eje que gira,
Cae, ofrenda y afrenta, en el yunque el dolor;
Los rostros grises son una espuma que tira
La marea del asfalto y la luz sin color.
¿Dónde estamos amor? ¿Sí es verdad que estamos?
La luna se esconde cuando nos acercamos
Al borde de los techos huecos de metal.
Y el ojo blanco por las calles todavía
Envidia el resplandor fijamente glacial
Del astro que murió antes de abrir el día.
jueves, diciembre 07, 2006
Poema de Alicia II
A Lon Chaney Jr.
Ni ampararse del día bajo el árbol de nieblas,
Ni morder el verano en las frutas dormido,
Ni besar en los labios lentos de tinieblas
Soy un muerto evaporado.
Ni penetrar el centro del álgebra frío,
Ni en el vacío clavar la máscara infinita.
Ni sembrar el olvido en el glorioso río
Y derramar la nada en la tumba bendita.
Ni rezar con las manos juntas de la pena,
Pero traer consigo en la noche serena
El hondo corazón donde sangró la vida
Soy un lobo y soy un hombre
Ese y sólo ese soy yo
Lon Chaney Jr…
miércoles, diciembre 06, 2006
Leadbelly
Leadbelly, hijo de Wesley y Sally Ledbetter, nació a una plantación próxima a Mooringsport (población de Louisiana cercana a la frontera texana) el 21 de enero de 1885 pero a los cinco años se trasladó a Leigh (Texas). Allá su tío le regaló su primer instrumento, un acordeón, a la vez que le enseñó a tocar la guitarra y la armónica.
Desde una edad temprana empezó a ganarse la vida como guitarrista ambulante, aun cuando ocasionalmente trabajó de jornalero. También prácticamente desde el primer momento en que inició su vida artística, se vio inmerso en constantes conflictos, básicamente de carácter pasional (a los veinte años ya había concebido al menos dos hijos y él mismo declaró que en su juventud se había llegado a acostar con ocho o diez mujeres por noche) así que al mismo tiempo que ganaba reputación como músico, se empezó a convertir en un conocido criminal en el sur de los Estados Unidos hasta el punto de que pasó gran parte de su vida adulta en la prisión.
Su forma de ser un tanto fuerte unida a su inclinación a la trifulca, no tardaron en proporcionarle problemas con la justicia. Se sabe que estuvo una temporada en una prisión de Texas condenado por una agresión, pero el 1916 se escapó. Dos años más tarde (1918), volvía a estar recluido en una penitenciaria, también en Texas, cumpliendo una condena de 20 años por asesinato. Sin embargo, siete años más tarde (1925) obtuvo la libertad. La leyenda dirá que lo consiguió cantando para el gobernador Pat Neff, que visitaba la prisión y al cual impresionó con una canción en la que suplicaba perdón. La realidad parece ser que su indulto fue debido a su buena conducta.
Entonces volvió a Lousiana, pero hacia 1930 volvía a estar en prisión, esta vez acusado de intento de asesinato. Pero todo cambió cuando en 1933 visitaron la prisión los folkloristas John y Alan Lomax con la intención de grabar música folk negra para la Library Of The Congress. Los Lomax quedaron totalmente seducidos con Leadbelly y, con un equipo de grabación portátil, en la misma cárcel le grabaron otro tema suplicando perdón que los Lomax hicieron escuchar al gobernador de Lousiana, O. K. Allen (cabe decir que en la otra cara de la placa donde quedó grabado, Leadbelly quiso que le grabaran su conocido Goodnight, Irene) y, según parece, esta vez sí que a causa de esta petición de gracia tan peculiar, Leadbelly consiguió la libertad.
Al salir de la prisión (a principios de 1934), Leadbelly acababa de cumplir 49 años. John Lomax lo contrató como su chófer y ayudante, llevándolo en coche a otras prisiones en busca de canciones folk y dando conciertos en los campus de las universidades. De hecho, parece ser que Leadbelly fue el primer negro a dar un concierto para blancos. Sin embargo, rompería con Lomax unos años más adelante debido a que las grabaciones que habían realizado no tuvieron la repercusión que se esperaba (se calcula que grabó más de doscientas piezas hasta el año 1942) y, también, al fuerte carácter de ambos.
En diciembre de 1934 Leadbelly fija su residencia en Nueva York de donde ya no se movería con excepción de un período de tres años en los que residió en California. Un año después se casó con Martha Promise y empezó a grabar temas para sellos como RCA Victor o Capitol Records. Esto, junto con actuaciones radiofónicas cada vez más frecuentes, le dio fama (pero no fortuna) y entró a formar parte de las formaciones The Almanaque Singers y People's Songs, agrupaciones de cantantes folk (entre los cuales Sony Terry, Pete Seeger, Brownie McGhee, Woody Guthrie y Josh White) que apoyaban con sus canciones y recitales las reivindicaciones obreras, dando continuidad a la tradición de Joe Hill y otros trovadores anarcosindicalistas.
En 1939 volvió a ingresar en prisión acusado de asalto y estuvo recluido hasta 1940. En 1944 se trasladó a [California] donde residió hasta 1947.
En 1949 hizo una gira por [Francia] siendo el primer artista de su estilo que dio un concierto en Europa. Sin embargo, antes de acabar la gira, cayó enfermo y se le diagnosticó esclerosis lateral amiotrófica (enfermedad de Lou Gehrig ). Después de suspender la gira, volvió a los [Estados Unidos] y murió en [Nueva York] el 6 de diciembre de aquel mismo año a los 64 anos de edad. Fue enterrado en el cementerio de la iglesia baptista de Shiloh (condado de Caddo Parish), a 8 millas al oeste de Blanchard, [Luisiana].
En 1976 vio la luz una película realizada por Gordon Parks y protagonizada por Roger E. Mosley que lleva por título Leadbelly y que narra su vida hasta su salida de prisión a principios de 1994.
Por lo visto, dominaba varios instrumentos: piano, violín, acordeón, mandolin, guitarra y armónica, pero normalmente sus grabaciones se basan en su voz, una guitarra de doce cuerdas y su línea de 'walkin bass' sobre la armonía. Tenía tan controlada esta fórmula que compuso innumerables canciones del mismo modo y todas muy originales. Por ello es considerado uno de los pilares del blues-folk norteamericano.
A muchísima gente le suenan canciones como Midnight Special, posiblemente su composición más emblemática, compuesta en la prisión y en la cual amenaza a todo aquel que le intente privar de ver pasar el tren de medianoche que iluminaba su celda y que fue versionada, entre otros muchos, por la Creedence Clearwater Revival, Paul McCartney y Van Morrison, Cotton Fields (versionada por la Creedence Clearwater Revival y Harry Belafonte), Gallis Pole (pieza tradicional grabada por Leadbelly y versionada/plagiada por Led Zeppelin con el título de The Gallows Pole), How Long (versionada, entre otros, por Eric Clapton), Goodnight, Irene (versionada por Jerry Lee Lewis, Van Morrison y Little Richard entre otros muchos), House of the Rising Sun (canción tradicional que Leadbelly fue de los primeros en grabar y que posteriormente fue versionada por innumerables cantantes, entre otros Bob Dylan, Nina Simone y The Animals) o Where Did You Sleep Last Night (versionada por Nirvana en su acústico), pero casi nadie conoce a su compositor o, en el caso de las canciones tradicionales, su primer gran difusor.
Y pese a esto, su peculiar manera de tocar la guitarra, marcando de una manera tan notoria el walking'bass, conllevó que creara un conjunto de riffs que posteriormente llegarían a ser arquetípicos del rock&roll (véase Roberta, Good Morning Blues, No Good Rider, Pigmeat...)
En definitiva, puede decirse que, mientras Leadbelly vivió, su obra, a caballo entre el blues y el folk, pasó bastante desapercibida para el gran público, a pesar de alcanzar algunos éxitos. Sin embargo, en la segunda mitad del siglo XX, en paralelo con la difusión del blues, ha ido ejerciendo una influencia cada vez más intensa y persistente
Poema
¡Qué extraño es vagar en la niebla!
En soledad piedras y sotos.
No ve el árbol los otros árboles.
Cada uno está solo.
Lleno estaba el mundo de amigos
cuando aún mi cielo era hermoso.
Al caer ahora la niebla
los ha borrado a todos.
¡Qué extraño es vagar en la niebla!
Ningún hombre conoce al otro.
Vida y soledad se confunden.
Cada uno está solo
Simplemente pensando en su vacío,
Simplemente creyendo que su sufrimiento será
Eterno
y
Nada es o será eterno
Aún no he visto quien merezca el título.
En soledad piedras y sotos.
No ve el árbol los otros árboles.
Cada uno está solo.
Lleno estaba el mundo de amigos
cuando aún mi cielo era hermoso.
Al caer ahora la niebla
los ha borrado a todos.
¡Qué extraño es vagar en la niebla!
Ningún hombre conoce al otro.
Vida y soledad se confunden.
Cada uno está solo
Simplemente pensando en su vacío,
Simplemente creyendo que su sufrimiento será
Eterno
y
Nada es o será eterno
Aún no he visto quien merezca el título.
martes, diciembre 05, 2006
Chuck
Charles Edward Anderson Berry nació el 18 de octubre de 1926 en el 2.520 de Goode Avenue (actualmente Annie Malone Drive) en St. Louis. Su madre, Martha, era profesora y su padre, Henry, contratista y diácono bautista. Es el tercero de seis hermanos. Estudió en la Simmons Grade School y la Sumner High School, esta última la primera escuela de secundaria para negros del oeste de Misissipi, en la que también estudiaría Tina Turner.
Cuando no trabajaba ayudando a su padre se dedicaba a conocer la fotografía de manos de su primo Harry Davis, así nació una afición que le durará toda la vida.
Su adolescencia fue conflictiva. Al terminar la secundaria, Berry estuvo recluido durante tres años en un reformatorio, cerca de Jefferson en Misuri, a causa de un robo con allanamiento de morada. Más tarde lo volvieron a arrestar por robar un coche.
Trabajó algún tiempo en las cadenas de montaje de la General Motors. En 1948 se casó con Themetta Suggs y tras ser padre de familia decide mejorar su vida asistiendo a clases nocturnas de cosmética y peluquería.
Berry había estado tocando blues desde sus adolescencia y a principios de 1953, comienza a ganarse un sobresueldo tocando en la "Sir John's Trio" una banda que actuaba en un popular club de Saint Louis. Poco más tarde esta banda cambiaría su nombre al de "Chuck Berry Combo". En la ciudad sólo había otra banda que pudiera competir con la de Berry, la de Ike Turne, otro afamado guitarrista.
En 1955 comienza su carrera hacia el estrellato. Aparece en cuatro películas. En mayo, viaja a Chicago donde conoce a Muddy Waters quién le sugiere que entre en contacto con la Chess Records. Firmado el contrato, lanzó en septiembre de ese mismo año "Maybellene". A finales de junio de 1956, su canción "Roll Over Beethoven" alcanzaría el puesto 29. En otoño de 1957, Berry, los Everly Brothers, Buddy Holly y otras pujantes estrellas del incipiente rock and roll se juntaron para tocar en gira por los Estados Unidos.
En diciembre de 1959, Berry tenía problemas legales después de que contratara a una apache menor de edad, que conoció en México, para trabajar en el club Bandstand de su propiedad en Saint Luis. Arrestaron a la muchacha acusada de prostitución y a Berry lo acusaron de tráfico de menores para propósitos sexuales. Fue condenado a pagar una multa de 5.000 dólares y a cinco años en prisión. Salió en 1963
Ya en los años 70 Berry viajó durante muchos años con la única compañía de su guitarra Gibson, seguro de que fuera donde fuera podría encontrar una banda que conociera su música a la cual podría contratar.
Entre los muchos que actuaron en bandas de apoyo de Berry se encontraban las jóvenes futuras estrellas Bruce Springsteen y Steve Miller. Springsteen volvió a acompañar años después a Berry en el Concert for the Rock and Roll Hall of Fame en 1995.
Después de viajar por los circuitos de viejas glorias de los años 1970, Berry volvía a estar en apuros con la ley en 1979. Poco después de actuar en la Casa Blanca para Carter, le culparon de evasión de impuestos. Fue condenado a cuatro meses de cárcel y a 1.000 horas de servicio a la comunidad mediante conciertos benéficos.
Al final de los 70, Berry continuaba regularmente con su carrera, tocando tanto en los Estados Unidos como al otro lado del océano. Un miércoles de cada mes, actuaba en el "Blueberry Hill", un bar restaurante en Delmar Loop, un barrio de Saint Louis.
Al final de los años 1980, Berry abrió un restaurante en Wentzville, Missouri, al que llamó The Southern Air. También posee un terreno en Wentzville llamado Berry Park, donde durante muchos veranos, Berry dio conciertos de rock. Lo cerró eventualmente al público debido al comportamiento tumultuoso de muchos asistentes.
El documental 'Hail! Hail! Rock 'n' Roll' trata sobre él y un concierto que hizo en 1987 junto a Keith Richards, Eric Clapton, y Julian Lenon, entre otros.
Berry volvería a ser tema de atención al principio de los años 90 por su pretendido voyeurismo en los cuartos de baño femeninos de su hogar y restaurante.
Su carácter no es fácil. Frente a sus sentimientos suele levantar un muro de hostilidad. En una ocasión echa del escenario al ínclito Keith Richards cuando éste sube por sorpresa a tocar con su ídolo; en otra ocasión ambos llegaron a las manos en un camerino. Sin embargo no se puede negar que su figura sea una de las más influyentes en la música rock.
[editar]Influencias
Como pionero del rock and roll, Chuck Berry influyó significativamente en otros músicos como Ritchie Valens, Bill Haley, Little Richard, Mike Laure, y Buddy Holly.
Cuando Keith Richards le introdujo en el Hall of Fame, dijo: "Es difícil para mi presentar a Berry, porque siempre he machacado lo que él tocaba!". John Lennon, otro devoto de Berry, tomó prestado un verso de la canción de Berry "You can't catch me" para su canción "Come together" y fue demandado posteriormente por los administradores de Berry. Angus Young de AC/DC, quien ha citado a Berry como una de sus influencias más grandes, es famoso por imitar sobre los escenarios el "andar de pato" (duckwalk) de Berry.
Mientras se discute sobre quién realizó la primera grabación del rock and roll, las primeras grabaciones de Berry, incluida "Maybellene" (1955) sintetizaron su estilo, combinando el blues y la música country con temas líricos sobre chicas y coches, con una dicción impecable acompañada de originales solos de guitarra eléctrica. Berry también utilizaría el popular éxito que alcanzaría el boogie para sus composiciones de rock and roll.
La mayoría de sus grabaciones más importantes las hizo con la Chess Records acompañado del pianista Johnnie Johnson de su propia banda, del legendario productor de discos Willie Dixon al bajo, de Fred Below a la batería y él mismo a la guitarra.
El productor Leonard Chess recordaba lacónicamente: "Le dije a Chuck que le daría el éxíto más grande. ¿Conocen el resto de la historia? Los chicos querían el éxito, los coches y enamorarse. Esa era la tendencia y nosotros saltamos sobre ella".
Clive Anderson escribió para el recopilatorio Chuck Berry— Poet of Rock 'n' Roll: "Mientras Elvis era un muchacho de pueblo que cantaba en cierto modo como un "negro"... Chuck Berry proporcionaba el espejo donde la imagen de la música country fue filtrada con la sensibilidad del R&B".
Las influencias musicales de Berry incluyeron a Nat King Cole, Louis Jordan y Muddy Waters, el cantante y guitarrista que presentó a Berry a Leonard Chess en la Chess Records.
A lo largo de su carrera Berry grabó baladas como "Havana Moon" y blues como "Wee Wee Hours", pero era su propio y novedoso estilo quien le condujo a la fama. Grabó más de 30 grandes éxitos y sus composiciones han sido cantadas por cientos de artistas del blues, del country y del rock and roll.
viernes, diciembre 01, 2006
Traduciendo a los Persas
Los siglos X al XV en Persia fueron de un esplendor poético y místico inigualables. En particular Rûmî emanó maravillas de sabiduría y arte en el XIII. Véase una muestra en Un poema de Rûmî en la que traduzco del Inglés rítmicamente el poema . Es una parte del libro La Alborada del Pájaro Rûm
Muestra tu rostro, que anhelo campo y jardines floridos;
abre los labios, que azúcar en abundancia yo anhelo.
¡Sol de hermosura! ¡Oh, tú, sal un momento entre las nubes!,
porque ese rostro radiante y luminoso, yo anhelo.
En tu vecindad, oí el tambor del halconero;
he vuelto, porque es el brazo del Sultán lo que yo anhelo.
Dijiste con gracia pícara "No me molestes más, ¡vete!"
Tu decir "No me molestes más, vete” es lo que yo anhelo.
Tu rechazo en el umbral "Vete, el Señor no está en casa".
Tu gracia, y aún tu rudeza en el umbral, son mi anhelo.
El pan y el agua del cielo son un torrente traidor:
soy un pez, un leviatán, el mar de Omán es mi anhelo.
Como Yacob me lamento y lanzo gritos de pena;
la dulce faz de Yusof es aquello que yo anhelo.
Por Dios, que sin ti este pueblo es la cárcel para mí.
Salgo afuera y vago, pues montaña y desierto anhelo.
En las manos, una copa y del amado unos rizos:
así, danzar en la plaza del mercado es lo que anhelo.
Mi corazón esta ahíto de estos débiles amigos;
el León de Dios y Rustam, hijo de Zal, son mi anhelo.
Mi alma está fatigada del tirano faraón.
La luz de Moisés, el hijo de ‘Imran, es lo que anhelo.
Enseña, Sol de Tabriz tu rostro, alba de amor.
Soy la upupa. La presencia de Soleimán es mi anhelo.
3. DIVAN, F-441, N-16, A-51. “Ben mâe rokh ke bagh...”
Célebre poema de Rûmî incluido en las ediciones de Forûzânfar, Nicholson y Arberry, con las numeraciones que anteceden. Su metro, en la notación tradicional, que usa los tiempos del verbo árabe fa‘al / ‘hacer’ para reproducir los pies– se expresa como: /mustaf‘ilun / mufâ‘i lu / mustaf‘ilun / fa‘al/. En la occidental:
==> // ¯ ¯ 7 ¯ / 7 ¯ 7 7 / ¯ ¯ 7 ¯ / 7 ¯ //
Tiene este metro un carácter yámbico considerando la acentuación, que se produce cada cuatro sílabas a partir de la segunda, Aunque aparentemente es muy irregular (véase nota 2), deviene rítmico y musical si se reordena musicalmente en 4 compases de 6 por 8, iguales dos a dos, como ya mostramos en Sánchez y Pûyâ (1994, 1996); se pone así de manifiesto cómo una gran regularidad rítmica puede quedar enmascarada por la definición métrica:
¯| ¯ 7 ¯ 7 | ¯ 7 7 ¯ | ¯ 7 ¯ 7 | ¯
o sea, en partes o moras –corcheas:
| primer verso . . . . . . . . . . . . . . . . . | segundo verso ...
2 *2 1 2 1 * 2 1 1 2 * 2 1 2 1 * 2 (1 1) 2 * 2 1 2
q l q e q e l q e e q l q e q e l q . . q l q e q
Los dos primeros dísticos (en la edición de Forûzânfar, que difiere de la de Nicholson):
Ízgfò âÀ£¥±¾™ z p£… ä˜ bf }£¿À…
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®``…Zg ç`›d ò xz®``… ã±`Š [£¥``•ò }Z
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pueden ser dispuestos como:
=> 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14
q q e q e q e e q q e q e q
// ¯ ¯ 7 ¯ / 7 ¯ 7 7 / ¯ ¯ 7 ¯ / 7 ¯ //
bén – mâ – i rokh ke bâgh– o go— les— tân— a –– m_â- re— zûst
bóg – shâ – i lab ke ghán– de fa –– râ – vân – a –– m_â- re— –zûst
'ei 'â— f e—– tâ— b e hós – n e bo –– rû –– nâ dá –– mî ze –– 'abr
kan chéh- re –– yê mo – shá‘– sha – ‘e tâ –– bân – a –– m_â- re— –zûst
La rima es la expresión ‘â nam ârezûst’ / ‘es lo que anhelo’.
Si no le es posible ver estos versos en lengua farsî y caracteres arábigos, necesita la fuente Cheechest. Puede descargarla aquí. Asimismo se emplea la fuente MusicalSymbols, habitual en Windows.
Traducción: Doble octosílabo para el hemistiquio original, que admite también dos mitades iguales, cada una con dos pies. Primordialmente dactílico, a menudo trocaico. Ciclo rítmico de nueve partes, 8 sílabas + 1 pausa para todas las mitades del verso (hemistiquios en nuestra versión, mitades de los hemistiquios originales) primeras o segundas, con lo que la cesura es igual que la pausa final de verso; puede también hacerse en fin de verso pausa más larga de 2, con ciclo de 10. Entre dísticos puede hacerse un compas, o medio.
Muestra tu rostro, que anhelo campo y jardines floridos;
abre los labios, que azúcar en abundancia yo anhelo.
.... .... .... .....
Enseña, Sol de Tabriz tu rostro, alba de amor.
Soy la upupa. La presencia de Soleimán es mi anhelo.
El término ‘abubilla’ (persa ‘hadhad’), esencial por su simbología, pero que no cuadra en el metro, nos ha obligado a buscar el sinónimo ‘upupa’ que sí lo hace; ‘alondra’ perdería ese simbolismo, ligado al poema de Attar “El parlamento de los pájaros”.
Muestra tu rostro, que anhelo campo y jardines floridos;
abre los labios, que azúcar en abundancia yo anhelo.
¡Sol de hermosura! ¡Oh, tú, sal un momento entre las nubes!,
porque ese rostro radiante y luminoso, yo anhelo.
En tu vecindad, oí el tambor del halconero;
he vuelto, porque es el brazo del Sultán lo que yo anhelo.
Dijiste con gracia pícara "No me molestes más, ¡vete!"
Tu decir "No me molestes más, vete” es lo que yo anhelo.
Tu rechazo en el umbral "Vete, el Señor no está en casa".
Tu gracia, y aún tu rudeza en el umbral, son mi anhelo.
El pan y el agua del cielo son un torrente traidor:
soy un pez, un leviatán, el mar de Omán es mi anhelo.
Como Yacob me lamento y lanzo gritos de pena;
la dulce faz de Yusof es aquello que yo anhelo.
Por Dios, que sin ti este pueblo es la cárcel para mí.
Salgo afuera y vago, pues montaña y desierto anhelo.
En las manos, una copa y del amado unos rizos:
así, danzar en la plaza del mercado es lo que anhelo.
Mi corazón esta ahíto de estos débiles amigos;
el León de Dios y Rustam, hijo de Zal, son mi anhelo.
Mi alma está fatigada del tirano faraón.
La luz de Moisés, el hijo de ‘Imran, es lo que anhelo.
Enseña, Sol de Tabriz tu rostro, alba de amor.
Soy la upupa. La presencia de Soleimán es mi anhelo.
3. DIVAN, F-441, N-16, A-51. “Ben mâe rokh ke bagh...”
Célebre poema de Rûmî incluido en las ediciones de Forûzânfar, Nicholson y Arberry, con las numeraciones que anteceden. Su metro, en la notación tradicional, que usa los tiempos del verbo árabe fa‘al / ‘hacer’ para reproducir los pies– se expresa como: /mustaf‘ilun / mufâ‘i lu / mustaf‘ilun / fa‘al/. En la occidental:
==> // ¯ ¯ 7 ¯ / 7 ¯ 7 7 / ¯ ¯ 7 ¯ / 7 ¯ //
Tiene este metro un carácter yámbico considerando la acentuación, que se produce cada cuatro sílabas a partir de la segunda, Aunque aparentemente es muy irregular (véase nota 2), deviene rítmico y musical si se reordena musicalmente en 4 compases de 6 por 8, iguales dos a dos, como ya mostramos en Sánchez y Pûyâ (1994, 1996); se pone así de manifiesto cómo una gran regularidad rítmica puede quedar enmascarada por la definición métrica:
¯| ¯ 7 ¯ 7 | ¯ 7 7 ¯ | ¯ 7 ¯ 7 | ¯
o sea, en partes o moras –corcheas:
| primer verso . . . . . . . . . . . . . . . . . | segundo verso ...
2 *2 1 2 1 * 2 1 1 2 * 2 1 2 1 * 2 (1 1) 2 * 2 1 2
q l q e q e l q e e q l q e q e l q . . q l q e q
Los dos primeros dísticos (en la edición de Forûzânfar, que difiere de la de Nicholson):
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bén – mâ – i rokh ke bâgh– o go— les— tân— a –– m_â- re— zûst
bóg – shâ – i lab ke ghán– de fa –– râ – vân – a –– m_â- re— –zûst
'ei 'â— f e—– tâ— b e hós – n e bo –– rû –– nâ dá –– mî ze –– 'abr
kan chéh- re –– yê mo – shá‘– sha – ‘e tâ –– bân – a –– m_â- re— –zûst
La rima es la expresión ‘â nam ârezûst’ / ‘es lo que anhelo’.
Si no le es posible ver estos versos en lengua farsî y caracteres arábigos, necesita la fuente Cheechest. Puede descargarla aquí. Asimismo se emplea la fuente MusicalSymbols, habitual en Windows.
Traducción: Doble octosílabo para el hemistiquio original, que admite también dos mitades iguales, cada una con dos pies. Primordialmente dactílico, a menudo trocaico. Ciclo rítmico de nueve partes, 8 sílabas + 1 pausa para todas las mitades del verso (hemistiquios en nuestra versión, mitades de los hemistiquios originales) primeras o segundas, con lo que la cesura es igual que la pausa final de verso; puede también hacerse en fin de verso pausa más larga de 2, con ciclo de 10. Entre dísticos puede hacerse un compas, o medio.
Muestra tu rostro, que anhelo campo y jardines floridos;
abre los labios, que azúcar en abundancia yo anhelo.
.... .... .... .....
Enseña, Sol de Tabriz tu rostro, alba de amor.
Soy la upupa. La presencia de Soleimán es mi anhelo.
El término ‘abubilla’ (persa ‘hadhad’), esencial por su simbología, pero que no cuadra en el metro, nos ha obligado a buscar el sinónimo ‘upupa’ que sí lo hace; ‘alondra’ perdería ese simbolismo, ligado al poema de Attar “El parlamento de los pájaros”.
jueves, noviembre 30, 2006
Les presento a JLFLORES
Mi hijo.... lo mejor que ha salido de mi... o al menos con componentes míos... pues es la madre quien debe llevarse el merito!!
martes, noviembre 28, 2006
Knut Hamsum
Seudónimo de Knut Pedersen, escritor noruego, cuyas obras reflejan su individualismo y su rechazo a la civilización industrial. Nacido en Lom el 4 de agosto de 1859, ingresó en la universidad de Christiania (hoy Oslo), sin ningún tipo de formación previa, con la intención de ser periodista. Abandonó pronto sus proyectos y emigró a los Estados Unidos, donde vagabundeó de un lugar a otro, a la vez que escribía. En 1888 regresó a Noruega y se dedicó por completo a la literatura.
Fue uno de los principales motores del neorromanticismo, movimiento que hizo su aparición entre los siglos XIX y XX, y se hizo célebre en toda Escandinavia con la novela Hambre (1890), en la cual describe los efectos psicológicos de la hambruna. A ésta siguieron otras novelas, como Pan (1894), Bajo la estrella de otoño (1906), en la que expone sus ideas sobre la vida inconsciente del alma; y Un vagabundo toca con sordina (1909). Los personajes de este periodo de la trayectoria de Hamsun son seres impulsivos e irracionales que, odiando la sociedad organizada, escapan, por lo general, a lugares apartados, con el fin de eludir responsabilidades.
En otras novelas posteriores, Hamsun revela sus preocupaciones sociales. Así, por ejemplo, en En el país de los cuentos (1913) y Bendición de la tierra (1917), considerada como la más importante del autor, en la que hace una encendida defensa del ideal del noble campesino y denuncia la decadencia capitalista.
Recibió el premio Nobel de Literatura por su obra en el año 1920. En sus últimas novelas, como Vagabundos (1927), retomó el tema del individuo errante y falto de raíces de la sociedad contemporánea. Cuando las tropas alemanas invadieron Noruega en 1940, defendió la ocupación proclamada que así se volvería a la grandeza de la época vikinga y se adhirió al colaboracionista por excelencia noruego Quisling, que sería ejecutado en 1946. El también fue acusado pero le fueron retirados los cargos por consideración a su edad. Murió el 19 de febrero de 1952 en su hogar, cerca de Grimstad. Su obra ejerció una gran influencia sobre autores europeos de la categoría de Thomas Mann, Máximo Gorky e Isaac Baushevis Singer.
Fue uno de los principales motores del neorromanticismo, movimiento que hizo su aparición entre los siglos XIX y XX, y se hizo célebre en toda Escandinavia con la novela Hambre (1890), en la cual describe los efectos psicológicos de la hambruna. A ésta siguieron otras novelas, como Pan (1894), Bajo la estrella de otoño (1906), en la que expone sus ideas sobre la vida inconsciente del alma; y Un vagabundo toca con sordina (1909). Los personajes de este periodo de la trayectoria de Hamsun son seres impulsivos e irracionales que, odiando la sociedad organizada, escapan, por lo general, a lugares apartados, con el fin de eludir responsabilidades.
En otras novelas posteriores, Hamsun revela sus preocupaciones sociales. Así, por ejemplo, en En el país de los cuentos (1913) y Bendición de la tierra (1917), considerada como la más importante del autor, en la que hace una encendida defensa del ideal del noble campesino y denuncia la decadencia capitalista.
Recibió el premio Nobel de Literatura por su obra en el año 1920. En sus últimas novelas, como Vagabundos (1927), retomó el tema del individuo errante y falto de raíces de la sociedad contemporánea. Cuando las tropas alemanas invadieron Noruega en 1940, defendió la ocupación proclamada que así se volvería a la grandeza de la época vikinga y se adhirió al colaboracionista por excelencia noruego Quisling, que sería ejecutado en 1946. El también fue acusado pero le fueron retirados los cargos por consideración a su edad. Murió el 19 de febrero de 1952 en su hogar, cerca de Grimstad. Su obra ejerció una gran influencia sobre autores europeos de la categoría de Thomas Mann, Máximo Gorky e Isaac Baushevis Singer.
Euripides
ntre los mejores poetas trágicos griegos debemos situar a Eurípides. La mayoría de los datos biográficos que conservamos serían invenciones por lo que resulta difícil establecer una línea coherente para referirnos a su vida. Parece que su aparición en el teatro se produjo en Atenas hacia 455 a.C., sin cosechar ningún éxito, elemento común a su vida ateniense.
Nunca participó en la vida política aunque en sus obras encontramos muestras de la preocupación por el cariz que tomaban los acontecimientos y que llevaban a Atenas a la destrucción.
El linchamiento al que le sometían sus rivales y la incomprensión del público motivaron su traslado a Macedonia, recibiendo la protección del rey Arquelao. Los especialistas atribuyen a Eurípides más de noventa obras de las que se han conservado 17 tragedias entre las que destacan "Medea", "Electra", "Hipólito" y "Las Troyanas".
El elemento común de estas obras es la desilusión del héroe, presentada mediante recursos psicológicos y naturalistas, alterando la mitología de obras anteriores. Se centra en la vida cotidiana y la gente común, siendo considerado el precursor del drama burgués. Curiosamente, Eurípides alcanzó el éxito después de su muerte, superando incluso a Esquilo y Sofocles.
lunes, noviembre 27, 2006
poema
JUEGO DE DISFRACES
Desmadejado, desaparecido mi control sobre una cabellera
en alboroto que opta a menudo por resoluciones
distintas a las del sistema motriz,
penetro en la desértica extensión de los telares y en el
depósito de las almas muertas, que sostienen resignadamente
colores de lapislázuli y cartonajes con memoria particular,
mas desechada, raídos, túmido, ominosamente numeradas,
delicadamente sustraídos de tono, agrietados, por ajena
voluntad borrada.
En los pasadizos de la trastienda no únicamente duele
el hallazgo de frondas que treparon vertiginosas escalones
de mármol despintado o la arboleda que poseía poseía
articulaciones mecánicas para asustar y hacer caer de su caballo
a la Joven Furtiva que eligió las incertidumbres de un Caballero
sólo recientemente armado,
pues tal vez con semejante desafección encontráramos el mascarón
de proa que puso en pie a toda una generación y los nimbos
algodonosos que por primera vez llevaron a muchos a pensar
que quizá no todo consista en arribar al propio domicilio una vez
la obra terminada y revolverse entonces pesarosos entre las
engañosamente mullidas plumas del jergón.
Vuelta la espalda a un creciente clamor de asentimiento que invade
la platea, navego con vacilación un estrecho cuarto de luces y el
camarín de la estrella, dejado intacto en su crepúsculo de noche
resonante y con la misma argolla aún, sujetando los muslos que
trastornan y aquella máscara de labios curvados hacia abajo,
poseedora del secreto que desencadenó guerras.
Decretada mi extinción por ocupantes de los palcos más celebrados,
dudo acerca de enfrentarme a la conjuración mortal de luces
que convergen en el proscenio,
o practicar (sea por una sola vez!) la compuerta de hierro que conduce
al callejón de la Mala Conducta y hace evitar la probablemente
desmerecida dialéctica de la palestra.
Desmadejado, desaparecido mi control sobre una cabellera
en alboroto que opta a menudo por resoluciones
distintas a las del sistema motriz,
penetro en la desértica extensión de los telares y en el
depósito de las almas muertas, que sostienen resignadamente
colores de lapislázuli y cartonajes con memoria particular,
mas desechada, raídos, túmido, ominosamente numeradas,
delicadamente sustraídos de tono, agrietados, por ajena
voluntad borrada.
En los pasadizos de la trastienda no únicamente duele
el hallazgo de frondas que treparon vertiginosas escalones
de mármol despintado o la arboleda que poseía poseía
articulaciones mecánicas para asustar y hacer caer de su caballo
a la Joven Furtiva que eligió las incertidumbres de un Caballero
sólo recientemente armado,
pues tal vez con semejante desafección encontráramos el mascarón
de proa que puso en pie a toda una generación y los nimbos
algodonosos que por primera vez llevaron a muchos a pensar
que quizá no todo consista en arribar al propio domicilio una vez
la obra terminada y revolverse entonces pesarosos entre las
engañosamente mullidas plumas del jergón.
Vuelta la espalda a un creciente clamor de asentimiento que invade
la platea, navego con vacilación un estrecho cuarto de luces y el
camarín de la estrella, dejado intacto en su crepúsculo de noche
resonante y con la misma argolla aún, sujetando los muslos que
trastornan y aquella máscara de labios curvados hacia abajo,
poseedora del secreto que desencadenó guerras.
Decretada mi extinción por ocupantes de los palcos más celebrados,
dudo acerca de enfrentarme a la conjuración mortal de luces
que convergen en el proscenio,
o practicar (sea por una sola vez!) la compuerta de hierro que conduce
al callejón de la Mala Conducta y hace evitar la probablemente
desmerecida dialéctica de la palestra.
viernes, noviembre 24, 2006
INVENSION EN LUN
Miren, estamos en las ultimas noticias....
http://www.lun.com/modulos/catalogo/Paginas/LUN_JPG/1260/2006/11/24/LUCPRDI08LU2411.jpg
http://www.lun.com/modulos/catalogo/Paginas/LUN_JPG/1000/2006/11/24/LUCSTDI09LU2411.jpg
ALICIA
Anselmo
Este es Anselmo el dragón y esta es su historia,
debo decir que su vida pasa sin mucha gloria
quiero que esto en tu cabeza metas,
quiere estar rodeado de poetas
los versos surgen de su garganta como un gran fuego,
lo que para mucha gente le parece un simple juego
un día los críticos su corazón sacudieron,
al día siguiente de carbón todos fueron
y aquel escritor que tanto le lastimó
en una rica cena se transformó
¿qué fue de ese publico discriminador y prejuicioso?
pues un fueron un desayuno exquisito y jugoso
esto le llevo a ser perseguido por los humanos,
que a los dragones no ven como hermanos
así es como el mundo del hombre debió dejar,
desde entonces de Alicia es el juglar
a todos deleita con sus canciones
llenas de fogosas paciones
dejemos entonces a este increíble reptil
y como ovejas volvamos a nuestro redil
la noche trae más canciones y sueños,
de los cuales realmente no somos dueños.
jueves, noviembre 23, 2006
Estigia Siglo XXI
El hombre solo habita
Una orilla lejana
Mira la tarde gris cayendo
Mira las hojas blancas
Rostro perdido del amor
Apenas canta y mueve
La rueda del azar
Que lo acerca a la muerte
Extranjero de todo
La dicha lo maldice
El hombre solo a solas habla
De un reino que no existe
Una orilla lejana
Mira la tarde gris cayendo
Mira las hojas blancas
Rostro perdido del amor
Apenas canta y mueve
La rueda del azar
Que lo acerca a la muerte
Extranjero de todo
La dicha lo maldice
El hombre solo a solas habla
De un reino que no existe
miércoles, noviembre 22, 2006
SUMO o SUMAI
Capitulo I
Es un deporte donde dos luchadores contrincantes o rikishi se enfrentan en un área circular. El deporte es de origen japonés y mantiene gran parte de la tradición antigua. Los japoneses consideran al sumo un gendai budō - un arte marcial japonesa moderna.
Las reglas del deporte son simples:
El primer luchador en tocar el suelo con alguna parte de su cuerpo a excepción de sus pies queda eliminado.
El primer luchador en hacer contacto con el exterior del círculo de lucha (ya sea con sus pies o cualquier otra parte de su cuerpo) queda eliminado.
Un luchador que utiliza una técnica ilegal o kinjite queda eliminado.
Si un luchador pierde el mawashi (única vestimenta utilizada durante un combate de sumo) queda eliminado.
Los encuentros de sumo suelen durar pocos segundos ya que uno de los luchadores suele ser empujado inmediatamente fuera del círculo. Cada encuentro es precedido por un ritual ceremonial elaborado. Los deportistas que practican sumo son reconocidos por su gran tamaño, ya que la masa corporal es un factor decisivo en el sumo.
CAPITULO II
El Sumo tiene una historia de más de mil años. Tiene cierta similitud con el boxeo y luchas, y un deporte semejante al sumo es practicado en la Unión Soviética y en Corea del Norte y del Sur. Asimismo, se pueden encontrar referencias de este deporte en registros históricos de India y China al igual que se pueden observar frescos de sumo en antiguos murales griegos.
La historia antigua también nos cuenta que el vencedor en competencias deportivas semejantes al sumo recibía el mayor premio durante el festival de las Olimpiadas. Por lo tanto, se puede decir que el sumo era practicado alrededor de todo el mundo en la antigüedad, sin importar las diferencias entre Oriente y Occidente. La primera referencia a sumo en la historia japonesa es su uso en épocas mitológicas en un duelo.
La historia de sumo realmente empieza en el siglo VIII al ser practicado para el Emperador en banquetes. Desde ahí en adelante, el sumo se convirtió en una de las funciones regulares organizadas para los banquetes de la corte cada año y esta tradición continuó por más de 400 años.
Estos combates no se llevaban a cabo en un dohyo sino en una plaza en frente del Shishin-den (sala del trono imperial). Con el desarrollo del feudalismo luego del siglo X y el dominio de la clase guerrera, el sumo empezó a practicarse vastamente como una técnica de lucha entre los guerreros (1192-1580). De ahí en más, el estilo de guerra cambió, dependiendo más en acciones por grupos que por individuos, y el sumo pasó de las manos de los guerreros a manos de la gente común entre las cuales aparecieron luchadores profesionales de sumo. Durante la era de Tokugawa desde 1603 a 1867 los luchadores profesionales de sumo fueron respaldados por los señores feudales. Con el colapso del feudalismo a fines de la era Tokugawa empezaron a ganarse la vida con el respaldo de la gente del pueblo. Unidos estrechamente a altares de adoración y templos, los combates eran llevados a cabo para obtener dinero para su construcción y reparación.
Esta forma de sumo era conocida como Kanjin Sumo, que más tarde se desarrolló en la actual Asociación de Sumo de Japón de luchadores de sumo profesionales. La Asociación de Sumo de Japón ha preservado sus vínculos con esta larga tradición histórica, dos manifestaciones visibles las cuales pueden apreciarse en el shinden (un templo que alberga un dios en un altar Shinto), forma del techo que cuelga sobre el ring, y que puede apreciarse también en la ropa usada por el árbitro, simbolizando un guerrero japonés del pasado en vestimentas de cazador.
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